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Álvaro Siza, la tradición es un medio para la innovación

Centro Galego de Arte Contemporáneo (interior)

Álvaro Siza, cuyo nombre completo es Álvaro Joaquim de Melo Siza Vieira, es un arquitecto nacido en Matosinhos, un puerto pesquero cercano a Oporto, Portugal. A pesar de querer ser escultor desde su infancia, acabó dedicándose a la arquitectura, en parte para satisfacer a su padre y en parte por un viaje que realizó a Barcelona en 1940 y ver las obras de Antoni Gaudí.

Se acabó licenciando en la Facultad de Arquitectura de Oporto, más adelante fue profesor en la escuela superior de bellas artes y en la facultad de arquitectura de Oporto, aunque también ha sido invitado especial en las escuelas y universidades más prestigiosas de todo el mundo: en Harvard, Bogotá, Pensilvania, etc.

También ha sido galardonado con varios premios: en 1988 recibió el premio de arquitectura contemporánea Mies Van der Rohe, en 1992 ganó el premio Pritzker, y en el año 2001 recibió el premio de la fundación Wolf de las Artes.

Centro Galego de arte contemporáneo (exterior)

Ha construido numerables veces en España, y algunas de sus obras más características en nuestro país son:

El centro meteorológico de la Villa Olímpica en Barcelona, construido en 1992, coincidiendo con las olimpiadas.

El centro Galego de Arte Contemporáneo en Santiago de Compostela, en 1993 pero con programación estable en 1995, centro que tiene como objetivo fomentar la cultura y las artes en Galicia.

El edificio del Rectorado de la universidad de Alicante, en el año 1997

El polideportivo ribera Serrallo, situado en Cornellà del Llobregat, Barcelona, construido en el 2004.

Y en la actualidad está construyendo el Paraninfo de la UPV, Universidad del Pais Vasco, Bilbao, en la zona centro de Abandoibarra que se calcula estará listo en el 2009. Se sabe que es un edificio en forma de L.

Alvaro Siza en la portada de la prestigiosa revista de arquitectura Croquis

Sus obras destacan por combinar la arquitectura moderna con conceptos tradicionales intentando adaptarse y combinarse con el espacio de alrededor de sus edificios, respetando el paisaje y el ambiente local sin perder originalidad e innovación.

Jarrones Serralunga

Serralunga es una empresa italiana de diseño industrial compuesta por ni más ni menos que 21 diseñadores, entre los cuales podemos encontrar figuras como Phillipe Starck, Ron arad, Zaha Hadid, y Bellini entre otros. Serralunga se dedica al diseño industrial, concretamente a la producción de Jarrones, elementos de iluminación y elementos de mobiliario.

A pesar de que en algunas secciones de la página web aun están en construcción, podemos ver todas las colecciones de jarrones, ilumnación y mobiliario únicos creados por los mejores diseñadores a nivel mundial.

Serralunga ha estado muy activa, participando en eventos como el Fuori Salone 2008 en Italia que se celebró en Abril, participando con showroom propio; también en la sección Green energy Design, presentando una pieza de mobiliario-macetero diseñada por Phillipe Starck; en Seeing the light, presentando la lampara-maceta Vas-One; en Salone Satellite, en el Showroom de Antonio Lupi, y en el Salone Internacionale del Mobile, también en Italia.

La empresa taliana destaca por mezclar conceptos de maceteros-iluminación y mobiliario, dando un giro de 360º al concepto cotidiano que tenemos de estos tres elementos, y destacando con sus jarrones y maceteros, elementos decorativos olvidados por muchos dseñadores y que Serralunga rescata del olvido.

Mies van der Rohe, menos es más

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Mies sentado en una de sus sillas

Ludwig Mies van der Rohe es un diseñador alemán que de joven adquirió gran conocimiento y dominio en el trabajo de materiales pétreos gracias a que su familia tenía un taller de cantería, lo cual le facilitó e influenció su posterior trabajo como diseñador y arquitecto racionalista.

Realzó estudios de Artes y Oficios para después trabajar como aprendiz en el mundo de la construcción. Más adelante trabajó como delineante y empezó a relacionarse con arquitectos.

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farnsword house

Se trasladó a Berlín y empezó a trabajar en diferentes estudios de arquitectura y empezó a entrar en los círculos sociales de arquitectos, diseñadores de interiores y diseñadores de mobiliario.

Acabó conociendo a Walter Gropius con quien entablaría una relación de rivalidad en el mundo de la arquitectura, y Mies acabó desarrollando su estilo propio inspirado en técnicas constructivas modernas y avanzadas innovando con la piedra, el acero y el vidrio.

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Pabellón de Alemania en Barcelona

Destacaron sus trabajos como arquitecto pero también su colaboración en la revista G y su posterior papel como director de la escuela Bauhaus.

En 1929 le encargaron el proyecto del Pabellón nacional de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona, y con este encargo Mes acabó creando un clásico en el mundo del diseño, un referente para los arquitectos del momento e incluso inspiración para los arquitectos de la actualidad, pues hoy en dia sigue siedo tan vanguardista como antaño, destacando por su sencillez y por su composición.

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Silla Barcelona

También destacó el diseño de la silla Barcelona, un icono del diseño racionalista y concretamente del estilo personal de Mies, a pesar de que en realidad el diseño de sus muebles los realizaba su socia Lily Reich.

Como muchos otros arquitectos del momento, Mies abandonó su país natal, Alemania, cuando el partido Nazi empezó a hacerse cada vez más poderoso, trasladando su estudio a Chicago, Estados Unidos, donde ya era famoso e influyente. Su estilo y filosofía fue inspiración para muchos pasando a la historia con una frase “menos es más”.

Tadao Ando y la arquitectura de la luz

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Tadao Ando, arquitecto japonés

Tadao Ando es un arquitecto japonés nacido en Osaka y que de manera autodidacta adquirió conocimientos de arquitectura, viajando por toda Europa, África y Estados Unidos. En su en el año 1970, estableció su estudio en Osaka Tadao Ando Architect & Associates, empezó a diseñar casas y más adelante edificios más significativos y desafiantes, y desde entonces no ha parado de recibir premios tanto fuera como dentro de Japón.

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iglesia de la luz

Su arquitectura se basa en la construcción de formas geométricas sencillas, que con el buen uso de la luz y los adecuados materiales crea espacios especiales, mostrando la máxima simplicidad posible y a la vez toda la complejidad que el arquitecto le ha dado. Una de sus características es el uso del hormigón armado al desnudo, sin ningún tipo de revestimiento, y sus superficies lisas con el objetivo de proyectar la luz, uno de los elementos naturales que más tiene en cuenta.

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Galeria akka, Japón

Su filosofía se basa en el hecho de que cualquier espacio siempre puede ser un lugar de meditación e inspiración, y es lo que trata de otorgar a su arquitectura, muchas veces insistiendo en incorporar la naturaleza en sus construcciones a través de los materiales.

La arquitectura de Tadao Ando está estrechamente relacionada con la cultura e historia japonesa, así como su arquitectura tradicional, aunque ha sido influenciado por los arquitectos más grandes como Le Corbusier y Luis Khan.

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Sayamaki, museo de historia, Japón

Tadao Ando ha participado en varias causas humanitarias. Después del terremoto de Kobe en el año 1995 participó en la reordenación del nuevo frente marítimo de Hyogo, y en el año 2001, tras la destrucción del World Trade Center, propuso crear un parque circular en el Ground Zero que simbolizaría el dolor por el vacío dejado por las víctimas.

George Nelson

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George Nelson

George Nelson es una figura clave en el mundo del diseño, sobretodo en cuanto a diseño de mobiliario, y se ha codeado con otros diseñadores mundialmente conocidos, como son Charles y Ray Eames, Isamu Noguchi y Alexander Girard.

Nació en 1908 en Hartford, Connecticut (Estados Unidos), y cursó sus estudios de arquitectura en la prestigiosa universidad de Yale. En 1933 le otorgaron una beca que le permitió estudiar en Europa, concretamente en la Academia Americana de Roma.

En Europa empieza a tomar contacto con las obras y los personajes que en aquella época destacaban como estilo moderno. Trabajó en la revista “Architectural fórum” como redactor, donde publicó un artículo sobre construcción de viviendas y diseño de muebles que llamó la atención de un famoso director de la marca Herman Miller, y trabajó en ella hasta 1944.

Poco tiempo después, Nelson empezó a trabajar para Herman Miller y llegó a ser director hasta 1972, aunque en 1946 empezó a dirigir su propio estudio de diseño y en el año 1957 empezó a colaborar con Vitra.

George Nelson ha sido un diseñador que ha creado iconos del diseño del estilo moderno del s.XX, pero además también siguió una buena carrera de arquitectura y diseño de exposiciones. Hoy en día el Museo de Diseño de Vitra custodia sus diseños

Algunas de sus piezas son:

Laminated chair (pretzel chair), 1952

Su elegante respaldo y su forma marcada rápidamente hizo que se la empezara a llamar Pretzel Chair, en referencia a la forma del pan alemán. Como ya comenté en otro post, esta silla ha vuelto a reeditarse con motivo del centenario del nacimiento de Nelson.

Coconut chair, 1955

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Tiene una forma y unos colores típicos del mobiliario de los años 50: colores contractado, forma clara y a la vez desenfadado. Se supone que tiene la forma de un coco cortado en ocho partes, y el color también hace referencia a ello.

Marshmallow sofá, 1956

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Con este diseño transformó el concepto de sofá tradicional en un sofá formado por 18 cojines circulares acolchados en diferentes colores, todos ellos unidos por una estructura metálica muy sencilla. Su forma y construcción convirtieron a este sofá en un clásico.

Home desk, 1958

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Es otro de los clásicos de Nelson, por su base, muy costosa de realizar a pesar de su aspecto sencillo, y a sus colores divertidos. En un principio fue diseñada para ser un secreter para mujeres, y hoy en día se usa como escritorio del hogar.

El mito de la escuela Bauhaus

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Bauhaus fué una escuela fundada por Van de Velde en 1908 y tuvo como directo a Walter Gropius. El nombre Bauhaus significa “casa de construcción” y nació como una escuela de artesanía y construcciones manuales, con diferentes talleres y especialidades. A medida que cambiaban de director, los objetivos y filosofías de la escuela fueron madurando y haciendose más claros, hasta que se convirtió en referente del movimiento moderno y racionalista.

El plan de estudios incluia un curso preliminar, en el que los estudiantes aprendian los principios y conceptos del diseño y la teoria del color. Al acabar el curso preliminar los alumos se especializaban en un tipo de oficio artesanal. Durante el primer año la escuela contó con artistas como Itten como responsable del curso preliminar, un personaje muy carismático que influyó muchisimo en los alumnos (les hacia clases de respiración, gimnasia y meditación, sus clases se basaban en la intuición y el método, se vestian con túnicas y se afeitaban la cabeza), Feininger y Marcks, a los que posteriormente se les unieron artistas expresionistas como Muche, Paul Klee y Kandinsky.

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Surgieron conflictos entre Gropius e Itten, ya que este ultimo habia vuelto a los alumnos contra la autoridad del director. el carismático se marchó, marcando el final del periodo expresionista de la escuela.

La siguiente época de la escuela Bauhaus coincidió con la entrada de Josef Albers y Lászlo Moholy-Nagy como sucesores de Itten, pero que siguieron un enfoque más industrial.

En el año 1925 las autoridades obligaron a Gropius a trasladar la escuela de Weimar a Dessau, la cual se benefició como ciudad industrial que era (en realidad fué un beneficio mutuo) y empezaron a producir y comercializar los diseños que realizaban los alumnos. En 1926 Walter Gropius diseñó una nueva sede de la escuela en Dessau, edificio que pasó a la historia por ser la máxima expresión de la filosofia racional y moderna de la escuela.

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En el año 1927 Hannes Meyer, se hizo cargo de la escuela como director, ya que Gropius quería dedicar más tiempo a sus diseños. Como comunista, intentó introducir cursos de marxismo, economía sociología, etc, para que los productos fueran prácticos y económicos para la clase rabajadora. Durante su dirección, el enfoque de la escuela fue más científico y se esfumó la anterior influencia constructivista y expresionista.

El ayunamiento despidió a Meyes dspués de descubrir que suministraba fondos de la escuela a huelgas de mineros, y Mies Van der Rohe asumió la dirección. Cerró la escuela, estableció un nuevo plan de estudios, sustituyó los estatutos, y la volvi´a abrir, obligando a los estudiantes a matricularse de nuevo. Dió más importancia al estudio de la Arquitectura, aunque seguian habiendo talleres de artes aplicadas. Más adelante, Mies estableció la sede de la escuela en Berlín, convirtiendola en escuela privada gracias a toda la fama que tenía de ser la mejor escuela de arte y diseño del mundo.

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En 1933 los profesores se reunieron y votaron para cerrar la escuela, después de que la Gestapo clausurara el edificio. Ese año fué el último del mito Bauhaus.

Frank Gehry premiado con el León de Oro

El jurado de la Bienal de Valencia ha premiado al arquitecto Frank Gehry (Toronto, 1929) con el León de Oro por su carrera como creador y arquitecto por ser “el arquitecto vivo que ha demostrado más claramente cuán maravillosa y productiva puede ser la experimentación” segun los propoios miembros del jurado.

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Dancing house, Frank Gehry

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State center, Frank Gehry

Según ellos, es un arquitecto que ha cambiado el modo de ver la arquitectura moderna y la ha liberado de las constricciones derivadas de las practicas habituales de la construcción.

La Bienal de Valencia también ha galardonado con el León de Oro Especial a James Sloss Ackerma, historiador estadounidense de arquitectura renacentista.

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Museo Guggenheim de Bilbao, Frank Gehry

Certamen de diseño L’Antic Colonial

El mes pasado tuvo lugar en la sede de Porcelanosa Grupo a Villareal-Castelló el acto de entrega de premios del I Certámenes de Diseño Terracotta de L’antic Colonial. La celebración que contó con la presencia de más de 200 invitados transcurrió en un ambiente formal y distendido en el que el jurado mostró su experiencia, profesionalidad durante el desarrollo de la mesa redonda. Todos ellos aportaron su particular visión sobre la Terracotta, y recalcaron la aplicación de un elemento natural y próximo a nuestros ambientes y proyectos más vanguardistas.

El jurado estuvo formado por miembros de reconocido prestigio y exigencia, que valoraron aspectos tan importantes en los proyectos como el diseño, la originalidad y la viabilidad empresarial.

El diseñador Emili Sánchez, recibió una Mención Especial por su proyecto denominado “Testigos de Barro”. Ciertamente propone con las propias piezas de barro dejar un testigo escrito en los pavimentos y revestimientos. Un trabajo que ha contado con la del estudio de Meritxell Estadella y de la Agencia de comunicación y diseño Valmont Comunicación.

Fuente: www.anticcolonial.com

Una chimenea diseñada por Paco Rabanne

Bordelet siguiendo en la línea de no crear chimeneas tradicionales, presenta el modelo “Jirafa” perteneciente a su nueva línea totalmente vanguardista de chimeneas, “Sabana”. Esta exclusiva y original línea de chimeneas diseñada por Paco Rabanne, podrá adquirirse en España a través de la empresa C. ESTELLER, importador y distribuïdor de la firma Bordelet.

La nueva línea de chimeneas compagina la sofisticación étnica con un acurado y esmerado grafismo exótico, en la que en esta ocasión Paco Rabanne se ha inspirado en la Jirafa, curioso animal salvaje que debido a su altura y a su natural elegancia, resulta unos de los animales más fascinantes del mundo animal, y es por ello que el diseñador francés le ha dedicado todo su arte haciéndole este pequeño homenaje.

La chimenea “Jirafa” es un modelo totalmente ajustable a diferentes tamaños bajo techo, y es ajustable también al tipo de tubo o cuesta de azotea. Se presenta con una altura de 250x120cm aproximadamente y con una dimensión interior de 20x40cm o de 28cm.

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